版画 第2曲「グラナダの夕べ」

どんな場面を描いた曲か ― なぜこのタイトルなのか

1903年の夏、クロード・ドビュッシーは最初の妻リリーとともに、ブルゴーニュ地方北部のヨンヌ県に位置するヴィルヌーヴ＝ラ＝ギヤールの小さな集落ビシャンに滞在していました。彼らはかつて旅籠であった簡素な石造りの家を借り、精神的な隠遁の場として創作に没頭する日々を送ります。この時期は、彼の唯一のオペラ『ペレアスとメリザンド』の校訂や、交響詩『海』の初期スケッチなど、数々の傑作が構想された極めて重要な期間でした。同時に、楽譜出版社のジャック・デュランに対して、沼地付きの土地を購入する交渉が老人との間でもつれていることへの愚痴を手紙でこぼすなど、極めて世俗的かつ平穏な生活の中にありました。このビシャンでの滞在中に、近代ピアノ音楽の金字塔となる3曲からなる曲集『版画』が完成します。その第2曲として置かれたのが、スペイン南部のアルハンブラ宮殿を擁する古都グラナダの夜を描いた「グラナダの夕べ」です。ドビュッシーは同地から友人アンドレ・メサジェに宛てた書簡の中で、「私も3つのピアノ曲を書いた。特に気に入っているのはそのタイトルだ。『塔』、『グラナダの夕べ』、『雨の庭』。旅行に行く金がないときは、想像力でそれを補わなければならない」とユーモアを交えて報告しています。では、グラナダの夜を描いたこの曲は、どのような体験から生まれたのでしょうか。

この曲の持つ圧倒的な写実性とアンダルシアの土着的な大気から、ドビュッシーはスペイン南部を深く愛し、グラナダの地で長期間にわたり民俗音楽を採取したと言われがちですが、実際はグラナダはおろか、アンダルシア地方の土を踏んだことすら一度もありません。彼が生涯でスペインの地を踏んだのは、青年期の1880年頃、パトロンの旅行に同行した際、フランス国境に近い北部の街サン・セバスティアンへ闘牛を観戦するために、わずか数時間から丸一日程度滞在したのが唯一の経験です。タイトルの由来と音楽の源泉は、主に1900年のパリ万国博覧会における体験に求められます。ドビュッシーは、同博覧会のトロカデロ庭園に設置された約5000平方メートルに及ぶ歴史再現アトラクション「ムーア人の時代のアンダルシア」を訪れました。そこで繰り広げられた、夜間のジプシーたちによる伝統的なフラメンコギターの掻き鳴らしや、カンテ・ホンドと呼ばれる深い歌の歌唱体験が、彼の記憶の中で醸成されたのです。実体験の忠実なスケッチではなく、断片的な記憶と、フランス音楽におけるスペイン風ハバネラの先駆例であるエマニュエル・シャブリエの『ハバネラ』からのインスピレーション、そして彼自身の驚異的な空想力によって再構築された「脳内の架空のアンダルシア」こそが、この曲の正体です。

ちなみに、曲集『版画』は、ドビュッシーの親しい友人であり、当時の著名な肖像画家であったジャック＝エミール・ブランシュに献呈されました。ブランシュは1903年にドビュッシーをモデルにした肖像画を制作しましたが、雨の水分が肌をワニスのように輝かせる様子を描いたその絵に対し、ドビュッシー本人は「深夜の不摂生で疲れ果てたコテージ・チーズのようだ」と不満を漏らしたというエピソードが残されています。美術と音楽の共感覚的な交差が、本作の成立に大きく関与していることがうかがえます。

物語 ― この曲で何が起きているのか

曲全体を通して、一定のハバネラのリズムが統一的な地平として流れています。そのリズムを背景に、エキゾチックな複数の旋律の断片が次々と現れては溶けていく、まるで映画のモンタージュのように色彩的な音楽が展開されます。全体は、ムーア風の悲歌が冒頭と終結部を飾り、中間部に明るいイ長調の主題を配した緩やかな三部形式の輪郭を持っています。冒頭では、極端な高音と低音の対比によって夜の静寂が演出され、やがてアラブ・アンダルシア旋法によるムーア風の悲歌が歌い出されます。続いて、フラメンコ・ギターの掻き鳴らしを思わせる乾いた和音が響き、グラナダの街角の情景が鮮やかに浮かび上がります。中間部に入ると、それまでの物憂げな雰囲気から一転し、明瞭なイ長調の主題が現れます。ハバネラのリズムが陽気な大気へと変容し、まるで祭りの夜のような熱気を帯びていきます。しかしその熱狂も長くは続かず、再び不協和な主題や遠くの軍楽を思わせる断片的なリズムが交錯し、幻影のように消えていきます。最後は悲歌が静かに回想され、最弱音の中で夜の闇へと溶け去っていくのです。

この曲の初演は、1904年1月9日にパリのサル・エラールで開催された国民音楽協会の演奏会で行われました。独奏を務めたのは、近代フランス音楽およびスペイン音楽の普及における最重要人物の一人である、スペイン出身のピアニスト、リカルド・ヴィニェスです。この日の初演では聴衆と批評家から大きな喝采をもって迎えられ、ピアノによる官能的かつ写実的な異国情緒の表出は極めて高い評価を得ました。この曲が描いた「想像された異国」のリアリティは、スペイン本国の音楽家たちをも驚嘆させました。作曲家のマヌエル・デ・ファリャは、民俗音楽からの直接の借用を一切行わずに書かれたこの曲を「奇跡に近い」と絶賛し、「ここに描かれているのは、本物のアンダルシアそのものである」と評しています。ファリャは後に、自身のギター曲『ドビュッシーの墓碑銘』の終結部において、この曲のギターを模した和音をそっくりそのまま引用し、偉大なフランスの先達に対して最高の敬意を表しました。さらに、ホアキン・ロドリーゴの『呼びかけと踊り』でもこのフレーズが引用され、多重的なオマージュの連鎖を生んでいます。

ドビュッシー自身も本作の成功に手応えを得て、同様の「脳内スペイン」を描き出す試みを発展させました。管弦楽組曲『映像』より「イベリア」では、この曲のテクスチュアを大編成の管弦楽へと移植し、前奏曲集の「途絶えたセレナード」や、ファリャからの絵葉書に鼓舞されて書かれた「ヴィーノの門」など、さらに狂熱的でダイナミックな色彩感に満ちた作品群を生み出していくことになります。また、この曲の持つ豊かなオーケストレーションの可能性は、他の大指揮者や作曲家たちをも惹きつけました。音響の魔術師と呼ばれたレオポルド・ストコフスキーは、多彩なパーカッションを用いて情熱的でグラマラスな響きを持つ管弦楽編曲を行い、一方でフランスの巨匠アンリ・ビュッセルは、木管楽器の透明なソロや緻密な弦楽器のピッツィカートを用いて、オリジナルの持つ気品と透明感を保持した編曲を残しています。

楽曲分析 ― 仮想のオーケストラが描く夜の色彩

この曲の持つ独自の浮遊感と立体的な響きは、ドビュッシーの革新的な作曲技法によって生み出されています。ここでは、和声の機能、リズムの景色の変わり目、そして楽器の加わり方の3つの観点から、その秘密を紐解いてみましょう。